"Les mallettes culturelles",Cité de la musique - Philharmonie de Paris, France

Les mallettes culturelles offrent à des seniors résidant en EHPAD la possibilité d’explorer les collections du Musée de la musique à travers des ateliers participatifs animés par le personnel des établissements de façon autonome.

Cet ensemble de 4 mallettes propose des supports d’animation adaptés, clairs et détaillés dans lesquels la musique est à la fois le sujet de la médiation et un outil pour le mieux-être et le soutien de la mémoire.

Aux fiches d’activités s’ajoutent une boîte multisensorielle contenant des éléments à toucher, manipuler et sentir, un puzzle, une galerie photo et un riche contenu multimédia.

Cette première édition explorera la musique à travers la thématique des quatre saisons, un thème fédérateur et capable de susciter des émotions, des sensations et des souvenirs. Chaque mallette sera consacrée à une saison en faisant dialoguer la musique avec les autres arts.

Les mallettes ont pour objectif d’intégrer tout le personnel des établissements, à travers des propositions d’activités impulsant une dynamique collective pour enrichir le quotidien des résidents.

Pour la première fois, le musée conçoit des supports pédagogiques adaptés à une utilisation en autonomie par les équipes d'animation. Des formations et un accompagnement à distance permettront aux bénéficiaires de s'emparer des mallettes.

© Photo : Gil Lefauconnier

"Micro école Inspire", La Collection Lambert​​, France

La micro-école Inspire, dispositif unique en France et créé main dans la main avec l’Éducation nationale donne l’opportunité à des élèves en situation de décrochage scolaire de retrouver le goût d’apprendre grâce à l’art par une immersion totale dans le centre d’art et par la rencontre d’artistes aux parcours singuliers.

Installée au cœur du musée de manière permanente, la micro-école Inspire propose à des élèves de CM1-CM2 en rupture avec l’école une méthodologie nouvelle : les œuvres exposées et la rencontre avec des artistes de toutes disciplines sont le fil conducteur de l’apprentissage des fondamentaux.

Le musée devient un terrain d’exploration et d’émancipation, un espace à habiter autrement et ensemble : avec les visiteurs, les équipes et les artistes... Au rythme des expositions – accrochages, décrochages – les enfants se révèlent, se réapproprient le monde et se construisent en tant que citoyens sensibles, loin des stigmatisations.  

Aujourd’hui, l’enjeu est double : assurer la pérennité du dispositif et préparer la transmission de cette expérience à d’autres institutions culturelles, en France comme en Europe. Ce réseau de partenaires autour de l’éducation artistique et culturelle permettra     de faire grandir ce modèle porteur d’espoir.

© Photo : Pauline Abascal – La Boîte Orageuse

"Future Heritage : A MakerLab and Roleplay Experience for Creating the History of Tomorrow", EESTI AJALOOMUUSEUM SA​​, Estonie

« Future Heritage » est un projet éducatif innovant du Musée d'histoire estonien qui permet aux jeunes d'explorer, de créer et de définir leur propre patrimoine à travers l'expression artistique, la fabrication pratique et la narration immersive. Le projet combine deux formats d'apprentissage puissants : un nouvel espace MakerLab et une série de jeux de rôle immersifs (larps). Dans le MakerLab, les élèves travaillent sur des objets et des thèmes historiques à l'aide d'outils modernes tels que des imprimantes 3D, des découpeuses laser et du matériel artisanal afin de reproduire, réinterpréter et concevoir des artefacts qui reflètent à la fois le passé et leur identité personnelle.

Les expériences de jeux de rôle, inspirées des traditions nordiques, invitent les participants à s'engager émotionnellement et imaginativement dans l'histoire à travers des récits qui relient l'archéologie, les rituels, la mémoire et l'avenir. L'une de ces expériences, « Underwater Heritage » (Patrimoine sous-marin), permet aux élèves d'incarner à la fois les créateurs et les découvreurs d'objets perdus.

Le projet vise particulièrement à impliquer les jeunes sous-représentés, notamment les étudiants ukrainiens et les enfants placés en famille d'accueil. Grâce à une série d'ateliers, de sessions de co-création et de rencontres inspirantes avec des praticiens et des historiens, les participants développeront une compréhension plus profonde du patrimoine comme quelque chose qu'ils façonnent, et non seulement dont ils héritent. Culminant avec une exposition organisée par des jeunes à la fin de l'année 2026, Future Heritage positionne les jeunes comme des conteurs actifs et des créateurs d'avenir au sein du musée et de la société.

© Photo : Vahur Lõhmus

"Clarion - an instrument for everyone", Open Up Music​, Royaume-Uni

Dans toute l'Europe, les personnes handicapées restent sous-représentées dans la vie culturelle. Malgré la Charte des droits fondamentaux de l'Union européenne et les mandats d'inclusion, beaucoup d'entre elles sont encore confrontées à des obstacles structurels et pratiques pour accéder à la musique ou en faire. Les instruments traditionnels sont souvent physiquement inaccessibles, et la plupart des outils musicaux numériques n'ont pas été conçus pour être compatibles avec les technologies d'assistance.

Clarion offre une solution transformatrice. Conçu en collaboration avec des jeunes handicapés, Clarion peut être joué de manière expressive avec n'importe quelle partie du corps, y compris les yeux. Disponible sur iPad et Windows, il offre une initiation à la création musicale très adaptable et ludique. Il ne s'agit pas seulement d'accessibilité, mais aussi d'art. Clarion permet aux utilisateurs de façonner le son avec intention et émotion. Il invite à l'exploration, à l'improvisation et à la performance.

Avec le soutien d'Art Explora, nous allons :

Rendre Clarion accessible aux particuliers (actuellement, il n'est disponible que pour les organisations)

Développer du matériel de formation afin de donner aux professeurs de musique la confiance et les connaissances nécessaires pour enseigner Clarion efficacement

Établir des relations avec des institutions musicales intéressées par les pratiques inclusives, en offrant des points d'entrée pour la collaboration et l'apprentissage partagé

Ce travail soutient directement l'objectif d'Art Explora qui consiste à élargir l'accès à la culture et à autonomiser les communautés grâce à des modèles innovants et inclusifs.

© Photo : Jon Furley

"Turning the Tide", Thames Festival Trust​, Royaume-Uni

Turning the Tide est un projet culturel majeur mené par Catherine Yass, artiste nominée au Turner Prize, qui vise à remettre en question les perceptions des personnes handicapées dans l'espace public et à autonomiser les jeunes créatifs handicapés. Les éléments clés sont les suivants :

Partenaires : Réalisé en collaboration avec le Thames Festival Trust, la compagnie de théâtre Graeae, dirigée par des personnes handicapées, et le City of London Culture Service.

Installation principale : une installation cinématographique spécifique au site, projetée pendant quatre nuits en septembre 2026 sur les colonnes emblématiques et abandonnées du vieux pont ferroviaire de Blackfriars, mettant en scène de jeunes artistes handicapés et touchant environ 10 000 spectateurs.

Développement créatif : développé en collaboration avec une équipe artistique dirigée par des personnes handicapées, dont la directrice artistique de Graeae, Jenny Sealey, afin de promouvoir l'excellence dans le travail des artistes sourds, handicapés et neurodivergents.

Programme éducatif : une série d'ateliers d'arts visuels (juin 2026-mars 2027) sur le cinéma, la photographie et la projection, conçus conjointement pour les enfants, les jeunes et les adultes handicapés et ayant des besoins éducatifs spéciaux, dirigés par Yass.

Exposition : exposition d'un mois au bord de la rivière présentant des œuvres d'art créées par la communauté et donnant un aperçu du processus créatif, avec une audience prévue de 390 000 personnes.

Film final : film artistique indépendant réalisé par Yass et le vidéaste Hugo Glendinning, qui sera projeté à l'échelle nationale en 2027 dans des lieux tels que l'ICA et la Whitechapel Gallery, avec un large potentiel de tournée nationale et internationale.

© Photo : Catherine Yass

"Rossy de Palma Invite Toulouse", Le Nouveau Printemps​, France

Rossy de Palma invite Toulouse et infiltre un quartier de la Ville à travers un festival ancré et collaboratif et des projets artistiques et de médiation impliquant habitant.es et usager.es du quartier.

En 2026, le festival Le Nouveau Printemps invite l'artiste multidisciplinaire Rossy de Palma pour une édition résolument tournée vers les publics. Le festival investit le quartier de la gare Matabiau et de Bonnefoy, ses interstices, son espace public, ses lieux d’arts ou insolites, et invente des formats artistiques inédits, dans un quartier et une ville en pleine transformation, cœur battant de la métropole et d’une région au cœur de l’Europe méditerranéenne.

Le Nouveau Printemps convoque une nouvelle méthode renforcée d’implication des publics : l’association du quartier investi, le lien avec les artistes et les communautés locales, la valorisation du patrimoine et de la créativité, comme la participation des habitants à de nombreux projets de la programmation ou à l’organisation même du festival.

Qu’un festival de dimension et renommée organise la rencontre entre une artiste internationale et une ville nous paraît novateur, original et adapté aux enjeux actuels. L’ensemble constitue déjà pour d’autres localités un modèle de développement culturel partagé et exigeant.

© Photo : Théa Drouin

"La Grande Parade #2", Centre National pour la Création Adaptée (CNCA)​, France

Permettre un accès plus large aux pratiques artistiques pour des publics de tous âges, en situation ou non de handicap, du coeur de ville jusqu'en zones rurales et visibiliser la créativité et la singularité de chacun lors d'un événement festif et inclusif dans l'espace public.

La GRANDE PARADE met autant l'accent sur les ateliers de création en amont (en danse, arts plastiques, écriture) que sur le grand défilé du jour J. Elle est l'occasion de s'engager ensemble, en mixité, dans des processus créatifs, et de célébrer nos singularités.

© Photo : Alain Derrien

"Dreams of the Future", Nordisk Teaterlaboratorium - Odin Teatret, Danemark

DREAMS OF THE FUTURE a libéré l'énergie créative de 2 500 élèves âgés de 5 à 13 ans, les invitant à réinventer la musique à travers des performances audacieuses et transgressives lors du Holstebro Festuge 2024. S'appuyant sur la tradition des expériences culturelles menées par des jeunes de NTL, ce projet a transformé le format traditionnel de la chorale en un spectacle interdisciplinaire dynamique où les participants ont fusionné le chant et l'intervention urbaine. Ce concert non conventionnel s'est étendu des salles de concert aux espaces publics, remettant en question les perceptions de la musique tout en favorisant l'appropriation de l'expression culturelle. Young Wild Dreams privilégie la rébellion ludique, en mettant l'accent sur la réinvention des performances pour le public de la génération TikTok. Le projet s'adresse à la fois aux jeunes participants, à leurs enseignants, à leurs amis, à leurs familles et aux membres curieux de la communauté, créant des ponts entre les générations grâce à des rencontres artistiques audacieuses. En donnant aux jeunes les moyens de « détourner » et de réinventer les formes d'art établies, NTL cultive aujourd'hui les innovateurs culturels de demain. La deuxième édition de DREAMS OF THE FUTURE 2025/2026 transformera Holstebro en un terrain de jeu rythmique, où les élèves transformeront des objets du quotidien en instruments de percussion à travers des performances inspirées de STOMP. Cette édition explosive comprend une stratégie de reproduction visant à donner aux jeunes les moyens de réimaginer les paysages sonores urbains. Environ 6 000 élèves co-créeront des performances publiques palpitantes, transformant la ville en une scène où les poubelles, les balais et les corps deviendront les instruments d'une rébellion sauvage et joyeuse.

© Photo : Nordisk Teaterlaboratorium

"ALASKA: a play about the pursuit of happiness in an abusive world", Mariupol theatre of Ukraine in Exile, Ukraine

Un projet global qui comprend : deux résidences et la recréation de la performance primée ALASKA avec des habitants locaux à chaque fois, un livret-boîte à outils détaillant notre méthodologie, trois films documentaires (deux locaux, un final) et une stratégie de diffusion numérique à travers l'Europe, mise en œuvre par notre équipe basée dans 10 pays de l'UE.

Spectacle multilingue basé sur un documentaire et créé avec des jeunes de Marioupol, en Ukraine, ALASKA explore la guerre, les traumatismes, l'amour, la solitude et la quête universelle de sens. Dans chaque pays (Italie, Pologne), le projet invite des jeunes locaux et des Ukrainiens déplacés à co-créer et à jouer la pièce après un atelier de création de sept jours. Chaque version met en scène une nouvelle distribution mixte, offrant un espace sûr pour l'expression de soi, la guérison et la connexion.

Les metteurs en scène et les directeurs de théâtre locaux sont invités à observer l'ensemble du processus, afin d'apprendre les outils que nous utilisons pour impliquer les participants émotionnellement affectés. Après la résidence, nous restons en contact avec eux pendant un an, leur offrant un accompagnement et un soutien alors qu'ils adaptent la méthode à leurs propres projets.

Né au théâtre de Marioupol avant sa destruction en 2022, ALASKA est un message de paix vivant et évolutif. Le projet inclut l'engagement du public à travers des enquêtes, trois documentaires et un livret-boîte à outils afin de partager notre méthodologie tenant compte des traumatismes à travers l'Europe, garantissant ainsi son évolutivité et son héritage à long terme.

© Photo : Jacek Klejment